Sam Gilliam, aclamado artista de DC, muere a los 88 años

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Sam Gilliam, un artista de Washington que ayudó a redefinir la pintura abstracta al liberar el lienzo de su marco tradicional y soltarlo en lujosos pliegues salpicados de pintura que caían en cascada desde techos, escaleras y otros elementos arquitectónicos, murió el 25 de junio en su casa en el Distrito. Tenía 88 años.

La causa fue una enfermedad renal, dijo Adriana Elgarresta, directora de relaciones públicas de la Galería Pace de Nueva York, que representa su obra, junto con la Galería David Kordansky.

El Sr. Gilliam era un profesor de arte relativamente desconocido en las escuelas del área de DC cuando llamó la atención internacional en 1969 con una exposición que sorprendió a la comunidad artística con su valentía.

Parecidos a las lonas gigantes de un pintor, sus lienzos fluidos y sin estructura, conocidos como cortinas, aparecieron en lo que entonces se conocía como la Galería de Arte Corcoran. Los flecos de tela de colores extravagantes estaban suspendidos de la claraboya del atrio de cuatro pisos del edificio Beaux-Arts y llevaron al entonces crítico de arte del Washington Star, Benjamin Forgey, a resumir el impacto como “una de esas marcas de agua con las que la comunidad artística de Washington mide su evolución”. .”

En cuestión de meses, el Sr. Gilliam sería conocido en todo el país y más tarde en todo el mundo como el pintor que había sacado la pintura de su marco. A lo largo de una carrera que abarcó décadas y varios cambios estilísticos, no todos tan bien recibidos como sus cortinas, el Sr. Gilliam siempre sería conocido como un innovador artístico gracias al desfile de Corcoran.

El Sr. Gilliam nunca fue oficialmente miembro de la Washington Color School, el movimiento de pintura del Distrito cuyos practicantes alcanzaron prominencia internacional en la década de 1960 con una celebración del color puro. Pero rápidamente fue reconocido como el rostro de la segunda ola de la Escuela de Color.

Sus obras se encuentran en las colecciones de la Galería Nacional de Arte, el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn, el Museo Smithsonian de Arte Americano, la Colección Phillips, el Museo de Arte Moderno y el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, la Tate Modern de Londres y la Museo de Arte Moderno de París.

Tuvo muchos encargos públicos, incluso para el Centro Kennedy y un mural en el Aeropuerto Nacional Reagan. El punto culminante de su carrera, un encargo del Museo Nacional de Historia y Cultura Afroamericana del Smithsonian, fue una extensa obra de cinco paneles de 28 pies de ancho. Lo llamó “Yet Do I Marvel”, en honor al poema del escritor del Renacimiento de Harlem, Countee Cullen.

El Sr. Gilliam continuó superándose a sí mismo, estableciendo y luego rompiendo múltiples récords de subasta por el precio de su arte, que en 2018 se disparó a $2.2 millones por su lienzo de 1971 “Lady Day II”. A los 83 años, fue invitado a exponer en la Bienal de Venecia de 2017, 45 años después de haber hecho historia como el primer artista afroamericano en representar a su país en esa exposición. Una exhibición de trabajo nuevo, junto con una pieza de 1977, se exhibe en el Hirshhorn hasta el 11 de septiembre.

Virginia Mecklenburg, curadora sénior del Smithsonian American Art Museum que organizó la exposición de 2012 “Arte afroamericano: Renacimiento de Harlem, era de los derechos civiles y más allá”, dijo que la fama de Gilliam fue el resultado de un movimiento estratégico. Sus antepasados ​​artísticos inmediatos, incluidos Jackson Pollock y los otros pintores no representativos de la década de 1950, ya habían cambiado por completo la noción de pintura como una imagen reconocible.

Él ‘quita la pintura de la pared’

Lo que fue revolucionario en el Sr. Gilliam, dijo Mecklenburg, fue la forma en que llevó la pintura “un paso más allá” de lo que ya se había logrado. “Él es el único”, dijo, “que se quita la pintura de la pared”.

El legado de Gilliam, dijo, es por lo tanto menos estilístico que filosófico. Al arrancar lienzos de la pared y colocarlos sobre y alrededor de otros elementos arquitectónicos, el Sr. Gilliam le dio a toda una generación de artistas, incluidos Christo y su esposa Jean-Claude, quienes alcanzaron la fama en la década de 1970 y más tarde con esa tela. obras de arte envueltas como el “Reichstag envuelto”: permiso implícito para hacer lo mismo.

El Sr. Gilliam no fue el primer artista en hacerlo. A fines de la década de 1960, algunos otros pintores habían comenzado a experimentar con lienzos sin estirar, entre ellos Richard Tuttle en Nueva York y William T. Wiley en San Francisco. Pero fue la sensibilidad escultórica e incluso grandiosa del Sr. Gilliam lo que llevó la superficie pintada que alguna vez fue plana a otro ámbito, transformándola en algo que el espectador siente tanto como ve.

Jonathan Binstock, quien organizó la retrospectiva del Sr. Gilliam de 2005-2006 en el Corcoran, observó que bajo el manejo musculoso del Sr. Gilliam, las pinturas se convirtieron en “toboganes, torrentes y entornos”.

Aunque la mayoría de las veces se identifica con las pinturas de cortinas, un estilo al que volvería a lo largo de su carrera, el Sr. Gilliam era conocido por su incesante experimentación. Además de la incursión ocasional en el lienzo estirado más tradicional, también exploró el collage, los paneles de madera con bisagras y otras formas de construcción tridimensional.

En sus manos, y con la aplicación de herramientas poco pintorescas como trapeadores, rastrillos y paletas, las superficies pintadas del Sr. Gilliam pueden parecer cualquier cosa, desde tie-dye hasta pegamento, caucho, resina, esmalte, glaseado para pasteles o alquitrán.

Alex Mayer, un escultor que trabajó durante muchos años como asistente de estudio del Sr. Gilliam, dijo: “A Sam le encantaba cambiar las cosas”. La única constante, escribió Binstock, fue la “experiencia íntima del carácter físico de la pintura”.

Según su propio relato, el Sr. Gilliam estimó que usaba más de 100 galones de pintura al año. No todo eso terminó en el lienzo. Durante muchos años, vivió en una casa adosada de Mount Pleasant cuyo exterior era un anuncio en constante cambio para la línea de trabajo de su propietario. El porche azul brillante podría complementarse con una cerca morada, una puerta de entrada roja y una moldura de ventana amarilla. Los suelos salpicados de pintura eran obras de arte en sí mismos.

Los críticos del Sr. Gilliam no siempre simpatizaron con sus experimentos. Al revisar una muestra de pinturas en collage de Nueva York de 1981, que presentaba piezas de lienzo remendadas como una colcha, la crítica Kay Larson acusó al artista de “preocupar la superficie del lienzo… como un arquitecto neurótico que no puede quitar las manos de su trabajo”. Al mismo tiempo, otros reprocharon al artista por ser demasiado seguro. Las cortinas del Sr. Gilliam son “una fuente de placer”, escribió el crítico Blake Gopnik en The Washington Post. “Eso es todo lo que quieren ser”.

Aunque saltó a la fama en el apogeo del movimiento por los derechos civiles, las pinturas de Gilliam evitaron en su mayor parte los temas afrocéntricos, o incluso abiertamente políticos. (El lienzo de 1969, “4 de abril”, en honor a la muerte del reverendo Martin Luther King Jr., fue una rara excepción). Era una postura por la que a veces lo criticaban, dijo Gilliam a The Post en 1993.

“Recuerdo cuando [Black activist] Stokely Carmichael convocó a un grupo de nosotros para hablarnos de nuestra misión”, dijo el Sr. Gilliam. “Él dijo: ‘¡Ustedes son artistas negros! ¡Te necesito! Pero ya no podrás hacer tus bonitos dibujos. ”

No todos encontraron bonito el trabajo del Sr. Gilliam. En 1979, se rumoreaba que la primera comisión de arte pública permanente del artista, una pintura de cortina de 15 por 40 pies creada para el vestíbulo del edificio federal Richard B. Russell de Atlanta, casi fue desechada por trabajadores que la confundieron con un pintor. paño manchado.

Aunque informado tanto por CBS como por NBC, la historia, como resultado, puede haber sido exagerada. “Un trabajador no podría haber levantado esa pintura aunque lo hubiera intentado”, dijo el Sr. Gilliam en ese momento. “Pesaba 300 libras. Además, parece demasiado bueno para confundirlo con chatarra.

‘Tenía que hacer algo diferente’

Sam Gilliam Jr. nació en Tupelo, Mississippi, el 30 de noviembre de 1933, el séptimo de ocho hijos. Su padre era carpintero y su madre costurera.

“Aprendí a dibujar bastante temprano”, dijo una vez el Sr. Gilliam a la escritora de arte Joan Jeffri. “Hice muchas cosas con arcilla, y luego comencé a pintar bastante temprano, como a los 10 años, solo compré un poco de pintura y comencé”. Agregó que su facilidad con el arte fue estimulada por el hecho de que su padre “dejó muchos materiales alrededor: martillos, sierras, madera”.

La familia se estableció en Louisville durante la Segunda Guerra Mundial. En 1955, el Sr. Gilliam se graduó de la Universidad de Louisville con una licenciatura en arte creativo. Después de un breve período como empleado del ejército en Japón, regresó a su alma mater y recibió una maestría en pintura en 1961.

En ese momento, el Sr. Gilliam trabajó principalmente en una vena figurativa, representando figuras humanas sombrías y sin rostro en lienzos estirados tradicionales. Al igual que con muchos artistas antes y después, una carrera como maestro parecía un camino lógico, si no inevitable.

En 1962, el Sr. Gilliam llegó a Washington, siguiendo a su novia de la universidad y recién casada, la ex Dorothy Butler, quien acababa de ser contratada como reportera del Post y luego se convertiría en columnista del periódico. El matrimonio terminó en divorcio.

Los sobrevivientes incluyen a su esposa, la marchante de arte de Washington Annie Gawlak; tres hijas de su primer matrimonio, Stephanie Gilliam, Melissa Gilliam y Leah Franklin Gilliam; tres hermanas; y tres nietos.

El Sr. Gilliam aceptó un puesto como instructor de arte en la Escuela Secundaria Técnica McKinley del Distrito, donde continuaría trabajando durante cinco años, en el primero de varios puestos docentes.

En Washington, el artista encontró las condiciones propicias para la reinvención artística. Ante todo, la cultura de la ciudad era más abierta desde el punto de vista racial que aquella de la que procedía. Dupont Circle fue el centro de una floreciente escena artística, centrada en la Washington Color School.

La temprana y cercana amistad del Sr. Gilliam con Thomas Downing, un pintor de la Escuela del Color que actuó como mentor, resultaría fundamental en su transformación de pintor figurativo a abstraccionista.

Bajo la tutela de Downing, el Sr. Gilliam comenzó a dejar de lado todo lo que le habían enseñado sobre la pintura tradicional, trabajando de manera más suelta, rápida y espontánea, permitiendo que los colores se mezclaran entre sí y dejando que la pintura hiciera lo que quisiera. Una gélida noche al principio de su carrera, el artista colocó un gran lienzo sin terminar fuera de su pequeño estudio para que se secara al aire libre. Durante la noche, el agua de la pintura acrílica se separó y se congeló. A Gilliam le gustó el efecto poco ortodoxo.

Si hubo un solo momento epifánico en el que el Sr. Gilliam se sintió impulsado a quitar sus pinturas de sus soportes de madera y colgarlas como cortinas, el artista a menudo se mostró cauteloso sobre cuándo, o incluso si eso ocurrió.

Aunque se dijo con frecuencia que se inspiró en los edredones afroamericanos o en la ropa tendida en un tendedero, negó esas inspiraciones en una entrevista de 2011 con el locutor de radio WAMU Kojo Nnamdi. “No”, le dijo a Nnamdi, “me inspiró Rock Creek Park”.

Sin embargo, un momento después, el Sr. Gilliam agregó, algo equívocamente, que “estar inspirado por la ropa en una línea me ha hecho famoso, así que no lo criticaré”.

La verdad probablemente estaba más cerca del resto de su respuesta. “Fue una decisión comercial”, dijo el Sr. Gilliam a Nnamdi. “Tenía que hacer algo diferente”.

Un maestro natural, el Sr. Gilliam fue generoso con su tiempo, abriendo la puerta de su estudio a cualquier artista o estudiante que buscaba su consejo. Sin embargo, también era igualmente conocido por su temperamento espinoso y, a veces, volátil.

En 1981, mientras participaba en un panel de discusión sobre el apoyo institucional de las artes locales organizado por Corcoran, el Sr. Gilliam, quien era uno de los panelistas, denunció en voz alta al director de Corcoran, Peter Marzio, otro panelista, como un “pavo” por promover artistas nacionales. sobre los de cosecha propia.

Aunque el Sr. Gilliam pudo haber expresado la frustración que muchos en la sala ya sentían, la falta de delicadeza de su comentario, sin mencionar la ironía del mismo, ya que la primera gran oportunidad del orador provino del Corcoran, pareció indecoroso. . El comentario del Sr. Gilliam fue recibido con fuertes silbidos por parte de la audiencia de artistas locales y la reprimenda, “Cállate, Sam”, de otro artista en el panel.

Dos años más tarde, en la inauguración de otra exposición de la obra del Sr. Gilliam en Corcoran, el artista recibió un hacha y un bloque de madera, enterrando simbólicamente el hacha en presencia de los administradores del museo.

Si en ocasiones fue una presencia combativa en la misma comunidad de la que era reconocido como decano, su ciudad adoptiva se lo perdonó rápidamente porque estaba muy orgullosa de él. “Él podría ser una diva”, dijo Sondra Arkin, una amiga y colega pintora, “pero era nuestra diva”.

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